 |
|
Вклад в развитие скрипичной школы
В течение многих лет Виотти занимался и педагогикой, хотя не считал её главным делом своей жизни. Однако, в 1803 году им была написана книга «Methode de violon». Среди его учеников такие выдающиеся скрипачи, как Пьер Роде, Ф. Пиксис, Альдэ, Ваше, Картье, Лабарр, Либон, Мори, Пиото, Роберехт, Михаил Огиньский. Он также преподавал Августу Дюрановскому, который впоследствии имел большое влияние на Паганини. Учениками Виотти считали себя Пьер Байо и Родольф Крейцер, несмотря на то, что они не брали у него уроков. Развитие скрипичного исполнительства в стенах Парижской консерватории на рубеже XVIII—XIX веков связано с активной концертной и педагогической деятельностью ее ведущих профессоров по классу скрипки — Родольфа Крейцера, Пьера Байо и Пьера Роде. Все они были страстными последователями стиля главы французской классической скрипичной школы Джованни-Баттисты Виотти, сумевшего соединить итальянские традиции с достижениями французской скрипичной школы XVIII века. Вдохновленные искусством своего великого учителя, они в знаменитой «Школе Парижской консерватории» высоко оценили его искусство владения скрипкой: «Этот инструмент, созданный природой, чтобы царствовать на концертах и подчиняться требованиям гения, в руках больших мастеров приобрел самый разный характер, который они пожелали ему придать. Простой и мелодичный под пальцами Корелли; гармоничный, нежный, полный грации под смычком Тартини; приятный и чистый у Гавинье; грандиозный и величавый у Пуньяни; полный огня, смелости, патетический, великий — в руках Виотти, он достиг совершенства, чтобы выражать страсти с энергией и с тем благородством, которые обеспечивают ему место, им занимаемое, и объясняют власть, которую он имел над душой».[8]
Виотти в отечественном и зарубежном музыкознании[
Первая книга о Виотти, «Анекдоты про Виотти», была написана А. Эймаром еще при жизни композитора. Существует достаточно обширная литература о жизни и творчестве Виотти на итальянском и французском языках. Так, подробная биография Виотти была написана итальянским музыковедом Ремо Джадзотто в 1956 году. Так же биографический очерк о Виотти написал его ученик Пьер Байо.
Первая полная биография Виотти на английском языке была написана Ворвиком Листером и издана в 2009 году в Оксфорде. Большая часть документального материала, который цитирует Листер, ранее была неизвестна или не была переведена. Изучением и популяризацией творчества Виотти занимается руководитель камерного оркестра Camerata Ducale Гвидо Римондо.[9]
В российском музыковедении исследованием жизненного пути и творчества занимался Л. Н. Раабен. В его книги «Жизнь замечательных скрипачей» и «Жизнь замечательных скрипачей и виолончелистов», посвященные истории струнно-смычкового исполнительства, включены статьи о творчестве Виотти.
Память[
На родине Виотти в городе Верчелли с 1950 года проводится Международный конкурс имени Виотти. В том же городе происходит также Фестиваль Виотти — международный музыкальный фестиваль, который начал проводится с 1997 года, когда были найдены доселе неизвестные сочинения Виотти.
Никколо́ Пагани́ни (итал. Niccolò Paganini; 27 октября 1782, Генуя — 27 мая 1840, Ницца) — итальянский скрипач-виртуози гитарист, композитор.
Содержание
[убрать]
· 1Биография
o 1.1Ранние годы
o 1.2Начало самостоятельной карьеры. Лукка
o 1.31808—1812 годы. Турин, Флоренция
o 1.4Заграничные гастроли
· 2Музыка
· 3Произведения
· 4Музыкальные произведения по мотивам сочинений Паганини
· 5Паганини в искусстве
· 6В кинематографе
· 7Примечания
· 8Комментарии
· 9Литература
· 10Ссылки
Биография[править | править вики-текст]
Ранние годы[править | править вики-текст]
Никколо Паганини был третьим ребёнком в семье Антонио Паганини (1757—1817) и Терезы Боччардо, имевших шестерых детей. Его отец был одно время грузчиком, позднее имел в порту лавку, а при переписи населения Генуи, выполненной по приказу Наполеона, назван «держателем мандолин».
Когда мальчику исполнилось пять лет, отец, заметив способности сына, начал учить его музыке сначала на мандолине, а с шести лет — на скрипке. По воспоминаниям самого музыканта, отец строго наказывал его, если он не проявлял должного прилежания, и это впоследствии сказалось на его и без того слабом здоровье[1]. Однако Никколо сам всё более увлекался инструментом и усердно работал, надеясь найти ещё неизвестные сочетания звуков, которые удивили бы слушателей[2].
Мальчиком он написал несколько произведений (не сохранились) для скрипки, которые были трудны, однако сам он их успешно исполнял. Вскоре отец Никколо отправил сына на обучение скрипачу Джованни Черветто (Giovanni Cervetto). Сам Паганини никогда не упоминал, что учился у Черветто, однако его биографы, например Фетис, Джервазони, упоминают этот факт[2]. С 1793 года Никколо стал регулярно играть на богослужениях в генуэзских церквях. В то время в Генуе и Лигуриисложилась традиция исполнять в церквях не только духовную, но и светскую музыку. Однажды его услышал композитор Франческо Ньекко (Francesco Gnecco), который взялся консультировать юного музыканта. В том же году он прошёл обучение у Джакомо Коста, пригласившего Никколо играть в соборе Сан Лоренцо, капельмейстером которого он был[3]. Неизвестно, посещал ли Паганини школу, возможно читать и писать он научился позднее. В его письмах, написанных в зрелом возрасте, встречаются орфографические ошибки, однако он обладал некоторыми познаниями в литературе, истории, мифологии[4].
Первый публичный концерт (или, как тогда говорили, академию) Никколо дал 31 июля 1795 года в генуэзском театре Сант-Агостино. Сборы от него предназначались на поездку Паганини в Парму для обучения у знаменитого скрипача и преподавателя Алессандро Ролла[5]. В концерт было включено сочинение Никколо «Вариации на тему Карманьолы»[K 1], вещь, которая не могла не понравиться генуэзской публике, в то время настроенной профранцузски[6]. В этом же году меценат маркиз Джан Карло Ди Негро отвёз Никколо и его отца во Флоренцию. Здесь мальчик исполнил свои «Вариации…» скрипачу Сальваторе Тинти, который, по словам первого биографа музыканта Конестабиле, был поражён невероятным мастерством юного музыканта[7]. Концерт, данный Никколо во флорентийском театре, позволил собрать недостающие средства для поездки в Парму. В тот день, когда отец и сын Паганини посетили Ролла, последний был болен и не собирался никого принимать. В комнате рядом со спальней больного на столе лежали ноты концерта, написанного Ролла, и скрипка. Никколо взял инструмент и сыграл с листа произведение, созданное накануне. Удивлённый Ролла вышел к гостям и, увидев, что его концерт играет мальчик, заявил, что уже не может ничему научить его. По словам композитора, Паганини следовало обратиться за консультациями к Фердинандо Паэру (Ferdinando Paer)[8][K 2]. Паэр, занятый постановками опер не только в Парме, но и во Флоренции и Венеции, не имея времени для уроков, рекомендовал юного скрипача виолончелисту Гаспаре Гиретти. Гиретти давал Паганини уроки гармонии и контрапункта, в пору этих занятий Никколо под руководством учителя сочинил, используя лишь перо и чернила, «24 четырёхголосные фуги». Осенью 1796 года Никколо возвратился в Геную. Здесь, в доме маркиза Ди Негро, Паганини исполнил по просьбе находившегося в концертном турне Родольфа Крейцера с листа сложнейшие пьесы. Знаменитый скрипач был поражён и «предсказал необычную славу этому юноше»[9].
В начале 1797 года Паганини со своим отцом предпринял первое концертное путешествие, в их маршрут были включены Милан, Болонья, Флоренция, Пиза, Ливорно. В Ливорно Никколо дал немного концертов, остальное время он посвятил совершенствованию своей техники и занимался самостоятельно без преподавателей. По его словам, в этом городе он написал музыку для фагота по просьбе шведского музыканта-дилетанта, жаловавшегося на отсутствие трудных произведений для этого инструмента[4]. Из-за военных действий гастроли пришлось прервать, Паганини вернулся в Геную, а вскоре, вместе со всей семьёй, уехал в принадлежавший отцу дом в долине Польчевера. Здесь он занялся совершенствованием исполнительского и композиторского мастерства. Паганини придумал для себя и выполнял сложные упражнения, подобные упражнениям скрипача XVII века Вальтера. Взяв на вооружение приёмы мастеров прошлого, Паганини неустанно совершенствовался в исполнении переходов, стаккато, пиццикато (в том числе в гаммах, простых и двойных трелях и флажолетах), необычных аккордов, диссонансов, стремился к верному извлечению звуков при самой высокой скорости. Он выполнял упражнения много часов в день до полного изнеможения[10].
Начало самостоятельной карьеры. Лукка[править | править вики-текст]
В 1801 году опека отца над Паганини была прекращена. Свою концертную деятельность он ещё возобновил в декабре 1800 года в Модене. Известность его как выдающегося скрипача росла необычайно. Осенью 1801 года он приехал в Лукку. Два выступления Паганини в луккском соборе были с восторгом приняты публикой. В местном рукописном журнале «Луккская литературная смесь» Паганини, названному «генуэзским якобинцем», воздавалось должное как мастеру, однако автор сообщения с неодобрением указывал, что в соборе не место имитации птичьего пения, звука флейты, рожка, трубы, так поразившей собравшихся, что «все смеялись, восхищаясь мастерством и свободным владением инструментом»[11]. В декабре 1801 года Паганини получил должность первой скрипки Луккской республики. В этом городе он провёл несколько лет. По словам сына композитора Доменико Куиличи, Бартоломео, Паганини в Лукке занимался также преподавательской деятельностью и работал с музыкантами оркестра[12]. С луккским периодом связано, вероятно, самое серьёзное любовное увлечение Паганини. Знатная дама, имя которой музыкант скрывал всю жизнь, уединилась вместе с ним в своём тосканском поместье. Паганини прожил там три года, занимаясь сельским хозяйством. В годы затворничества он пристрастился к игре на гитаре и написал 12 сонат для этого инструмента и скрипки (Op. 2 и 3)[13]. По воспоминаниям самого Паганини, первое время самостоятельной жизни кроме страсти к женщинам, им владела любовь к карточной игре. Часто он проигрывал всё, и «только моё собственное искусство могло спасти меня», но он сумел отказаться от азартных игр и более никогда не прикасался к картам[14]. Ненадолго Паганини покинул Лукку и вернулся в Геную. Обратно в Тоскану его пригласила Элиза Бонапарт, ставшая, благодаря своему брату, княгиней Пьомбино, Лукки, Массы, Каррары и Гарньяфо. Паганини получил титул «придворного виртуоза» и одновременно был назначен капитаном личной гвардии княгини. За небольшое жалованье он исполнял обязанности личного музыканта княгини, дирижировал спектаклями, регулярно устраивал концерты и давал уроки игры на скрипке князю. По признанию самого Паганини, у него в то время был роман с Элизой[15].
1808—1812 годы. Турин, Флоренция[править | править вики-текст]
В 1808 году Паганини получил длительный отпуск и отправился с концертами по Италии. Постепенно у него сформировалась своя собственная, отличная от других скрипачей, исполнительская манера. Известность ему принесли его необычный вид и поведение во время концертов. Залы на его выступлениях заполняли не только ценители высокого искусства, но и публика, привлечённая внешними эффектами и невероятными приёмами игры, которые демонстрировал Паганини. Он держал себя подчёркнуто загадочно и вначале не пресекал распространение о себе самых фантастических слухов[16]. Перед одним из концертов в Ливорно он поранил ногу и, прихрамывая, вышел на сцену. В зале раздались смешки, а когда с пюпитра упали свечи, они переросли в дружный хохот. Паганини, сохраняя невозмутимый вид, заиграл, однако неожиданно на скрипке лопнула струна, не останавливаясь он продолжал концерт и сорвал бурные аплодисменты. Для него не было в новинку играть не только на трёх, но и на двух, и даже на одной струне[17]. Так, во время службы при дворе Элизы Бонапарт он написал и исполнял пьесу «Любовная сцена» для струн ля и ми, а позднее, ко дню рождения императора — сонату для струны соль «Наполеон»[18]. Некоторое время Паганини провёл при туринском дворе Полины Бонапарт. Здесь он подружился с музыкальным распорядителем княгини Боргезе Феличе Бланджини (Blangini). Бланджини стал одним из самых горячих поклонников Паганини. В одном из писем друзьям в Париж он так отзывается о Никколо:
«Никто не в силах выразить словами очарование, которое вызывает его благородное исполнение. Никто никогда не смел даже мечтать о том, что можно наяву услышать нечто подобное. Когда смотришь на него, слушаешь его, невольно плачешь или смеёшься, невольно думаешь о чём-то сверхчеловеческом. С другими скрипачами у него общее только скрипка и смычок»[19].
Во второй половине 1808 года Паганини по приглашению Элизы Бонапарт приехал во Флоренцию. Луиджи Пиккьянти (Luigi Picchianti) рассказал первому биографу Паганини Конестабиле о произошедшем в пору пребывания музыканта во Флоренции случае, в полной мере демонстрирующем его исключительное мастерство. Паганини должен был исполнить в доме одного из придворных под аккомпанемент на рояле «Сонату» Гайдна . Музыкант сильно задержался, а, когда пришёл, не заставляя более ждать слушателей, начал играть, не проверив строй скрипки. Он играл великолепно, вводя по собственному усмотрению импровизированныефиоритуры. После первой части произведения Паганини обнаружил, что «ля» на скрипке отличается от «ля» на рояле на целый тон. Прекрасно разбиравшийся в музыке Пиккьянти, по собственному признанию, был поражён: Паганини для верного исполнения «Сонаты» при таком произвольном настрое скрипки должен был мгновенно переделать всю аппликатуру, слушатели же ничего не заметили[20]. В конце 1812 года он оставил тяготившую его придворную службу и покинул Флоренцию[21].
Около 1813 года музыкант присутствовал в «Ла Скала» на одном из представлений балета Вигано-Зюсмайера «Орех Беневенто». Вдохновившись сценой безудержной пляски колдуний, поразившей его воображение, Паганини написал сочинение, ставшее одним из самых знаменитых в его творчестве – «Ведьмы», вариации на тему балета «Орех Беневенто» для скрипки с оркестром (Вариации на четвертой струне).
Премьера произведения состоялась на его сольном концерте в «Ла Скала» 29 октября 1813 года. Миланский корреспондент лейпцигской музыкальной газеты сообщил, что публика была глубоко потрясена: вариации на четвертой струне настолько изумили всех, что музыкант повторил их по настоятельному требованию публики. Вслед за тем Паганини в течение шести недель дал одиннадцать концертов в «Ла Скала» и в театре «Каркано[it]», и вариации под названием «Ведьмы» имели неизменно особый успех[22].
Слава Паганини возросла после путешествия по Германии, Франции и Англии. Музыкант везде пользовался огромной популярностью. В Германии он купил титул барона, который передавался по наследству.
27 декабря 1808 года в масонской ложе Великого востока Паганини исполнил масонский гимн, написанный им на слова Ланчетти. В протоколах ложи подтверждено масонство Паганини[23].
В возрасте 34 лет Паганини увлёкся 22-летней певицей Антонией Бьянки, которой он помогал с подготовкой сольного выступления. В 1825 у Никколо и Антонии родился сын Ахилл. В 1828 году музыкант расстался с Антонией, добившись единоличной опеки над сыном.
Много работая, Паганини давал концерты один за другим. Желая обеспечить сыну достойное будущее, он запрашивал себе огромные гонорары, так что после смерти его наследство составило несколько миллионов франков[источник не указан 609 дней].
Постоянные гастроли и частые выступления подорвали здоровье музыканта. В сентябре 1834 года Паганини решил закончить свою концертную карьеру и вернулся в Геную. Он постоянно болел, однако в конце декабря 1836 года выступил в Ницце с тремя концертами.
На протяжении всей жизни у Паганини было множество хронических заболеваний. Хотя никаких определенных медицинских доказательств не существует, есть мнение, у него был синдром Марфана[24][25]. Несмотря на то, что скрипач прибегал к помощи именитых врачей, он не мог избавиться от недугов. В октябре 1839 года больной и в чрезвычайно нервном состоянии, Паганини в последний раз приехал в родную Геную.
Последние месяцы своей жизни он не выходил из помещения, у него постоянно болели ноги, а болезни уже не поддавались лечению. Истощение было столь сильным, что он не мог взять в руку смычок, его сил хватало лишь на то, чтобы перебирать пальцами струны лежащей рядом скрипки.
Никколо Паганини скончался в Ницце 27 мая 1840 года.
Музы
Имя Паганини было окружено некой таинственностью, чему содействовал и он сам, говоря о каких-то необычайных секретах своей игры, которые он обнародует только по окончании своей карьеры. При жизни Паганини было напечатано очень мало его сочинений, что его современники объясняли боязнью автора к обнаружению многих тайн его виртуозности. Таинственность и необычность личности Паганини вызывала предположение в его суеверности и атеизме, и епископ Ниццы, где скончался Паганини, отказал в заупокойной мессе. Только вмешательство папы уничтожило это решение, а прах великого скрипача окончательно обрел покой лишь к концу 19 столетия.
Непревзойденный успех Паганини лежал не только в глубоком музыкальном даровании этого артиста, но и в необычайной технике, в безукоризненной чистоте, с которой он исполнял труднейшие пассажи, и в новых горизонтах скрипичной техники, открытых им. Работая усердно над произведениями Корелли, Вивальди, Тартини, Виотти, он сознавал, что богатые средства скрипки не вполне ещё угаданы этими авторами. Труд знаменитого Локателли «L’Arte di nuova modulazione» навёл Паганини на мысль воспользоваться разными новыми эффектами в скрипичной технике. Разнообразие красок, широкое применение натуральных и искусственных флажолетов, быстрое чередование пиццикато с арко[26], удивительно искусное и разнообразное применение стаккато, широкое применение двойных нот и аккордов, замечательное разнообразие применения смычка, сочинения для исполнения на струне соль, посвященная сестре Наполеона, княгине Элизе Бачокки «Любовная сцена» на струнах ля и ми — всё это приводило в удивление публику, знакомившуюся с доселе неслыханными скрипичными эффектами. Паганини был настоящим виртуозом, обладавшим в высшей степени яркой индивидуальностью, основывая свою игру на оригинальных технических приёмах, которые он исполнял с непогрешимой чистотой и уверенностью. Паганини обладал драгоценной коллекцией скрипок Страдивари, Гварнери,Амати, из которых свою замечательную и наиболее любимую и известную скрипку работы Гварнери завещал родному городу Генуе, не желая, чтобы какой-нибудь другой артист на ней играл.
Скрипка, на которой играл великий мастер, после его смерти получила имя «Вдова Паганини»[27].
Произведения[править | править вики-текст]
· 24 каприса для скрипки соло, Op.1, 1802—1817 гг.
· Шесть сонат для скрипки и гитары, Op. 2
· Шесть сонат для скрипки и гитары Op. 3
· 15 квартетов для скрипки, гитары, альта и виолончели, Op. 4
·
· Концерт для скрипки с оркестром № 1, ми бемоль мажор (партия скрипки написана в ре мажоре, но её струны настраиваются на полтона выше), Op.6 (1817 г.)
· Концерт для скрипки с оркестром № 2, си минор, «La campanella», Op.7 (1826 г.)
· Концерт для скрипки с оркестром № 3, ми мажор (1830 г.)
· Концерт для скрипки с оркестром № 4, ре минор (1830 г.)
· Концерт для скрипки с оркестром № 5, ля минор (1830 г.)
· Концерт для скрипки с оркестром № 6, ми минор (1815 г.?), неоконченный, авторство последней части неизвестно
· Концерт для гитары с оркестром ля мажор.
· Ведьмы (Вариации на тему из балета Франца Зюсмайера «Орех Беневенто»), Op. 8
· Интродукция с вариациями на тему «Бог хранит короля», Op.9
· Венецианский карнавал (вариации), Op. 10
· Концертное аллегро Moto Perpetuo, соль мажор, Op. 11
· Вариации на тему Non più Mesta, Op.12
· Вариации на тему Di tanti Palpiti, Op.13
· 60 вариаций во всех строях на генуэзскую народную песню Barucaba, Op. 14 (1835 г.)
· Кантабиле, ре мажор, Op. 17
· Moto Perpetuo (Вечное движение) до мажор.
· Кантабиле и вальс, Op. 19 (1824 г.)
· Соната для большого альта (вероятно, 1834)
Музыкальные произведения по мотивам сочинений Паганини[править | править вики-текст]
· И. Брамс, Вариации на тему Паганини.
· С. В. Рахманинов, Рапсодия на тему Паганини.
· 6 этюдов Ф. Листа.
· Р. Шуман, этюды на каприсы Паганини, Опус 3.
· Луиджи Даллапиккола, «Каноническая сонатина ми-бемоль мажор на „Каприсы“ Паганини», для фортепиано
· Альфредо Казелла, «Паганиниана», для оркестра
· Витольд Лютославский, «Вариации на тему Паганини», для 2-х фортепиано (тема — Каприс Н.Паганини № 24).
· И.Я. Беркович. Этюды на тему Паганини (тема — Каприс Н.Паганини № 24).
· Н. Мильштейн, «Паганиниана», для скрипки соло.
· В песне группы Ария "Игра с Огнем" использован Каприс N24 ля-минор
· В песне группы Гран-Куражъ "Скрипка Паганини" также использован Каприс №24 ля-минор.
Паганини в искусстве[править | править вики-текст]
· Анатолий Виноградов. книга "Повесть о братьях Тургеневых. Осуждение Паганини". — Минск: Букинистическое издание. Мастацкая литература, 1983. — (роман 1936 г. "Осуждение Паганини").
· Елена Воробьева. книга "Летописи Арванды. Легенды спящего города". — СПб.: ИТД "СКИФИЯ", 2010. — (пьеса "Сожженная дорога Никколо Паганини"). — ISBN 978-5-903-463-44-2.
· Татьяна Берфорд. книга "Николо Паганини. Стилевые истоки творчества". — СПб.: Издательство имени Н. И. Новикова, 2010. — (Аннотация). — ISBN 978-5-87991-089-6.
· Четвертый альбом рок-группы Ария называется Игра с Огнем. Песня, ставшая заглавной к альбому, рассказывает о том, что Паганини продал душу дьяволу за виртуозную игру.
· Чешская группа XIII stoleti посвятила Н. Паганини песню Upir s houslemi.
В кинематографе[править | править вики-текст]
· Das Dreimäderlhaus (1918). Германия. Райол Ланг
· «Паганини», производство Германия, в главной роли Конрад Фейдт, 1923 г.
· Franz Schuberts letzte Liebe (1926) Германия. Отто Шмуль.
· Die lachende Grille (1926) Германия. Ханс Вашатко.
· Paganini in Venedig (1929) Германия. Андреас Вейсгербер.
· Gern hab' ich die Frau’n geküßt (1934) Германия. Иван Петрович.
· Casta diva (1935) Италия. Гуальтьеро Тумиати.
· The Divine Spark (1935) Англия. Хью Миллер
· Фантастическая симфония / La symphonie fantastique (1942) Франция. Морис Шульц.
· Россини / Rossini (1942) Италия. Чезаре Фантони.
· Heavenly Music (1943) США. Фриц Фельд
· A Song to Remember (1945) США. Рокси Рот.
· The Magic Bow (1946) Англия. Стюарт Гренджер.
· Housle a sen (1947): Bohemian Rapture (1948) Чехословакия. Карел Достал.
· Молодость Шопена / Mlodosc Chopina (1952) Польша. Франтишек Ямры.
· Casta diva (1956) Италия-Франция. Данило Берардинелли.
· Оправдание Паганини (1969, СССР). Всеволод Якут
· Паганини / Paganini (1973) (ФРГ) Aнтонио Теба.
· Паганини / Paganini (1976) (Италия) Тино Ширинци.
· Никколо Паганини, СССР-Болгария, 1982 г. (Информация о фильме) В главной роли Владимир Мсрян
· Весеннняя симфония / Frühlingssinfonie (1983) ФРГ. Гидон Кремер.
· Зигфрид / Zygfryd (1986) Польша. Криштоф Стопа.
· «Паганини», производство Италия-Франция, 1989 г. В главной роли Клаус Кински.
· Наполеон (2002) Англия-Франция. В роли Джулиан Рашлин.
· Moi, Hector Berlioz (2003) Франция. Клод Джосто.
· Паганини: скрипач дьявола (2013) Германия, Италия. В главной роли скрипач-виртуоз Дэвид Гарретт.
Анри́ Вьёта́н (фр. Henri Vieuxtemps; 17 февраля 1820, Вервье, провинция Льеж, Бельгия — 6 июня 1881, Мустафа,Алжир) — бельгийский скрипач и композитор, один из основателей национальной скрипичной школы.
Отец Вьётана был скрипачом-любителем и гитарным мастером. Подметив в сыне музыкальные способности, он начал обучать его игре на скрипке. Уже в четыре года мальчик участвовал в домашних концертах, немногим позже сочинил первую композицию — «Песню петушка». Отец Анри, понимая недостаточность своих знаний, начал искать для сына профессиональных учителей. При помощи М. Женена, мальчик продолжил учиться у Л. Ж. Леклу-Дежонка, скрипача-профессионала из Вервье. 18 апреля 1827 года Анри выступил в «Большом вокальном и инструментальном концерте» в Вервье, затем последовали гастроли по городам Бельгии и Голландии. Юный музыкант обратил на себя внимание известного скрипача Шарля Берио, который добился для него стипендии короля Нидерландов и взял с собой вначале вБрюссель, а позже в Париж. Первое выступление Вьётана в Париже состоялось в 1829 году.
В 1833 году Вьётан начинает гастрольную деятельность, уже в самом её начале встречая восторженные отзывы — например, со стороны Роберта Шумана, писавшего: «Говоря о Вьётане, невольно думаешь о Паганини. <…> С первой и до последней ноты мы словно стоим в заколдованном круге, у которого нет ни начала, ни конца»[1]. Живя некоторое время вВене, он берёт уроки теории музыки у Симона Зехтера, а в 1835 году возвращается в Париж, где совершенствуется как композитор у Антонина Рейхи. Рейха дал юному Вьётану такую характеристику: «г. Анри Вьётан-сын уже обладает превосходным талантом как скрипач, одарен также счастливейшими данными к сочинению музыки, для выявления которых нужно только время и необходимая поддержка и которыми в будущем он прославит свою страну». К этому времени относятся первые крупные сочинения Вьётана: концерт fis-moll, изданный как № 2 и E-dur, известный как Первый концерт, а также фантазии, в частности, Фантазию-каприс и «Воспоминания о России». Некоторые произведения были написаны в соавторстве с виолончелистом Франсуа Серве, соотечественником и другом Вьётана.
В 1844 году Вьётан женился на пианистке из Вены Жозефине Эдер. Позже она всегда сопровождала мужа в концертных поездках и нередко аккомпанировала ему. В следующем году Анри Вьётан наряду с Франсуа Фетисом, Шарлем Ханссенсом и своим учителем Шарлем Берио был принят в почётные члены Бельгийской королевской академии наук по разряду искусств.
С 1846 года Вьётан жил и работал в Санкт-Петербурге, где имел должность солиста Императорских театров и занимался преподаванием. Проработав в России семь лет, сочинив ряд пьес и Четвертый концерт, Вьетан вновь вернулся в Париж и продолжил активную концертную деятельность. Многочисленные гастрольные туры скрипача охватывали не только Европу, но также Турцию и Америку.
В 1866 году Вьётан лишился отца, а в 1868 — также и жены. Переживания и утомительные гастроли (только за шесть месяцев американского турне он дал 121 концерт) сказались на его здоровье, и он решил сократить концертную деятельность и заняться педагогической. В 1871 году Вьётан получил место профессора в Брюссельской консерватории. Среди его учеников самым известным стал бельгийский скрипач, дирижер и композитор Эжен Изаи. В 1873 году после инсульта и последовавшего паралича левой половины тела, он вынужден был покинуть свою должность. Частично восстановив здоровье, Вьётан, тем не менее, отказывается от продолжения карьеры концертирующего скрипача и занимается композицией и отчасти преподаванием. В 1878 году скрипач поселился в Алжире, где и умер три года спустя от очередного инсульта.
Творчество[править | править вики-текст]
Вьётан — автор многочисленных сочинений для скрипки, до сих пор пользующихся большой популярностью: семи концертов с оркестром, Большой сонаты для фортепиано и скрипки, Сюиты в старинном стиле, ряда фантазий, вариаций, концертных этюдов, Романсов без слов и других пьес.
Широкой известностью пользуется его переложение для скрипки известного романса Алябьева «Соловей»[2].
Ге́нрик Веня́вский, в России Генрих Иосифович Венявский (польск. Henryk Wieniawski; 10 июля 1835, Люблин — 31 марта 1880, Москва) — знаменитый польский (еврейского происхождения) скрипач и композитор Начал учиться музыке в своём родном городе под руководством Станислава Сервачиньского и Яна Хорнзеля. В 1843 годупоступил в Парижскую консерваторию, где учился у Ламбера Массара (скрипка) и Ипполита Коле (гармония и композиция). По окончании курса в 1846 году предпринял артистическое путешествие и в 1848 г. давал концерты со своим братомЮзефом Венявским, пианистом, в Санкт-Петербурге и Москве. В пятидесятые годы XIX века имя Венявского как виртуоза стало очень известным во Франции, Великобритании, Бельгии, Голландии и России. В 1860 году поселился в Петербурге, где получил место солиста Императорского двора и театров. С основания Петербургской консерватории (1862) до 1865состоял в ней профессором; позже преподавал в Брюссельской консерватории. Венявский был исключительным виртуозом; обладая замечательным тоном, чарующей певучестью смычка, высокохудожественным пониманием исполняемого и первоклассной техникой, он пользовался неизменным успехом и был любимцем слушателей всех стран.
Последним триумфом скрипача был Русский концерт, данный в зале Трокадеро в Париже, на Всемирной выставке 1878 года. Как композитор Венявский отличался большим вкусом и оригинальностью мысли. Он писал только для скрипки(концерты, полонезы и др.). Все его произведения чрезвычайно благодарны для исполнителя. Особенной популярностью пользуются его «Легенда», «Фантазия на русские темы», «Souvenir de Moscou» («Московский сувенир»), Фантазия на темы из «Фауста» Гуно. Первый и второй скрипичный концерты Венявского были записаны рядом выдающихся исполнителей, в том числе: Борисом Гольдштейном, Владимиром Пикайзеном, Олегом Крысой (концерт № 1), Исааком Стерном, Яшей Хейфецом, Игорем Ойстрахом, Идой Гендель иДжошуа Беллом (концерт № 2).
Играет Паганини
И́цхак Пе́рлман (англ. Itzhak Perlman, ивр. יצחק פרלמן; род. 31 августа 1945, Тель-Авив) — израильско-американский скрипач,дирижёр и педагог еврейского происхождения, один из самых знаменитых скрипачей второй половины XX ве Родился в семье еврейских иммигрантов из Польши (отец из Тернополя — Украина) в Тель-Авиве, входившем тогда в состав британской подмандатной территории Палестина; вырос в Израиле. Заинтересовался скрипкой, услышав концерт классической музыки по радио. Учился в музыкальной академии в Тель-Авиве, затем в Джульярдской школе в США у Ивана Галамяна и Дороти Делэй.
Его первое выступление состоялось в 1963 году в Карнеги-Холле. В 1964 году он выиграл престижнейший американскийконкурс имени Левентритта. Вскоре после этого начал выступать с персональными концертами. Кроме того, Перлмана приглашали на различные шоу на телевидение. Несколько раз он играл в Белом Доме. Перлман — пятикратный обладатель премии «Грэмми» за исполнение классической музыки.
В возрасте четырёх лет Перлман переболел полиомиелитом, отчего вынужден пользоваться костылями для передвижения и играет на скрипке сидя.
Он также несколько раз исполнял арии из опер (бас) и в 1981 году даже участвовал в записи «Тоски» Пуччини, главные роли в которой исполнили Рената Скотто, Пласидо Доминго и Ренато Брузон.
Помимо классической музыки, Ицхак Перлман также известен исполнением еврейской народной музыки — инструментальными обработками народных песен на идише в сопровождении Израильского филармонического оркестра (Tradition: Itzhak Perlman plays popular Jewish melodies, 1987) и работой с различными клезмерскими коллективами (Itzhak Perlman in the Fiddler’s House, 1995; Itzhak Perlman Live in the Fiddler’s House, 1996; A Jewish Violin — The Best of Klezmer and Traditional Jewish Music, 2007); выступил в роли ведущего телевизионных передач о клезмерской музыке и еврейском фольклоре, снятых на идише и английском языке. В 1993 году исполнил скрипичное соло в музыке к фильму «Список Шиндлера» (премия «Оскар» за лучшую музыку). В 1994 году вместе с пианистом Оскаром Питерсоном в составе квинтета записал альбом джазовых композиций (Side by Side: Itzhak Perlman & Oscar Peterson, 1994). В 2012 году вышел его альбом литургической и народной музыки с кантором Ицхоком Меером Хельфготом «Eternal Echoes: Songs & Dances for the Sou
Гендель учился и на скрипке
Йозеф Иоа́хим (нем. Joseph Joachim; 28 июня 1831, Китзее у Пресбурга, Австрийская империя[1] — 15 августа 1907,Берлин) — австрийско-венгерский скрипач и композитор еврейского происхождения.
Йозеф Иоахим родился в Киттзе, предпоследним из восьмерых детей в еврейской семье. Его отец, Юлиус Йоахим (?—1865), происходил из Пешта и занимался торговлей шерстью; мать, Фанни Йоахим (в девичестве Фигдор, ?—1867), была уроженкой Киттзе и приходилась двоюродной сестрой Фанни Витгенштейн (матери сталелитейного магната Карла Витгенштейна и бабушке философа Людвига Витгенштейна)[2].
В 1833 году его семья переехала в Пешт, где он учился на скрипке у Станислава Сервачиньского, концертмейстера оперы в Пеште (Сервачиньский позже вернулся в Люблин, где учил Венявского). В 1839 году Иоахим продолжил учебу в Венской консерватории (недолго у Миска Хаузера и у Георга Хеллмесбергера старшего; потом у Йозефа Бёма). После он переехал в Лейпциг, в котором его приютила двоюродная сестра матери, Фанни Витгенштейн, и где он стал протеже Феликса Мендельсона. В своем дебютном выступления в Гевандхаус он играл фантазию «Отелло» Генриха Вильгельма Эрнста.
С большим успехом концертировал во всех городах Европы. Был директором Академии музыки в Берлине. Написал много сочинений для скрипки; особенно известен его «Concert in ungarischer Weise» (op. 11). Игра Иоахима отличалась сочным тоном, безупречной чистотой интонации, развитой левой рукой, разнообразием смычка. Среди многочисленных учеников Иоахима — Л. С. Ауэр, А. Виттенберг, Б. Губерман.
Был женат на Амалии Шнеевейс (1839—1899), родом из Марбурга. Его внучка — оперная певица (сопрано) и музыкальный педагог Ирэн Йоахим (1913—2001).
Эдуа́р Виктуа́р Антуа́н Лало́ (фр. Édouard-Victoire-Antoine Lalo; 27 января 1823, Лилль — 22 апреля 1892, Париж) —французский композитор.
Учился игре на скрипке в своём родном городе, а затем в Париже у Пьера Байо и Франсуа Антуана Абенека; уроки композиции получил у Юлиуса Шульгофа. Играл на скрипке и альте в парижских оркестрах и в составе струнного квартета под руководством Жюля Арменго (с 1855 г.); для этого квартета написал свой струнный квартет. В раннем творчестве Лало преобладали камерные сочинения: два фортепианных трио, скрипичная соната (1856), цикл романсов на стихи Виктора Гюго. Две ранние симфонии были уничтожены автором.
Женитьба в 1865 г., после смерти первой жены, на одной из своих учениц, молодой певице Жюли Бернье-Малиньи, обратила помыслы Лало к опере, однако его первая работа в этом жанре, опера «Фиеско» (фр. Fiesque; 1866, по пьесеФридриха Шиллера «Заговор Фиеско в Генуе») была отвергнута театрами и впервые исполнена целиком лишь в 2006 году. Это надолго отвратило Лало от работы для театра: только в 1875 г. он приступил к своей второй опере «Король города Ис» (фр. Le Roi d'Ys, по бретонской легенде о затонувшем городе Ис); в 1881 г. она была закончена и ещё семь лет ждала постановки, но зато премьера в 1888 г. в Опера-комик принесла композитору шумный успех. Работу над третьей оперой, «Жакерия», Лало завершить не успел. Кроме того, для сцены им был создан ещё балет «Намуна», поставленный в 1882 г.Люсьеном Петипа, но не завоевавший популярности.
Концертные сочинения Лало получили большее признание современников — начиная с Испанской симфонии для скрипки с оркестром (1874), премьера которой была с блеском исполнена другом Лало Пабло Сарасате. Популярностью пользовались и два последующих произведения Лало для скрипки с оркестром — Норвежская рапсодия (1878) и Русский концерт (1879; есть у Лало и «Русские песни» для виолончели и фортепиано). В стандартный репертуар виолончелистов по сей день входит Концерт для виолончели с оркестром (1877), в работе над которым Лало консультировался с его будущим первым исполнителем Адольфом Фишером.
Луи Николя Клерамбо (фр. Louis-Nicolas Clérambault; 19 декабря 1676, Париж — 26 октября 1749, там же) — французский композитор, придворный музыкант Людовика XIV.
Родился в семье музыкантов, рано начал играть на скрипке и клавесине, а мастерству органной игры учился у Андре Резона. На протяжении всей жизни занимал пост органиста в различных парижских храмах, а также был музыкальным руководителем пансиона для девушек Сен-Сир, для хора которого написаны многие его кантаты — светские, на греко-римские мифологические сюжеты.
Помимо кантат, которых Клерамбо написал более 30 (собраны в 5 сборников, изданных в 1710—1726 гг.; наибольшим успехом у современников пользовалась кантата «Орфей»), ему принадлежит множество церковных песнопений, сонаты для скрипки и basso continuo, сборники пьес для клавесина и органа.
Луи́ (Лю́двиг)[1] Шпор (нем. Louis Spohr, 5 апреля 1784, Брауншвейг — 22 октября 1859, Кассель) — немецкий скрипач,композитор, дирижёр и педагог, один из первых представителей романтического стиля в музыке.]
Шпор родился в семье врача, который был также музыкантом-любителем и старался дать сыну хорошее образование. Рано проявив музыкальные способности, Шпор в возрасте шести лет начал учиться теории музыки у органиста Хартунга, затем — на скрипке у известного музыканта Мокура. Достигнув достаточных успехов, Шпор обратил на себя внимание герцога Брауншвейгского, который в 1799 году назначил его придворным музыкантом. Последним учителем Шпора был скрипач Мангеймской школы Франц Экк (сын трубача Георга Экка, сотрудничавшего с Моцартом); Экк существенно повлиял на Шпора, полностью перестроив его исполнительскую технику, и взял его с собой в продолжительную гастрольно-учебную поездку, финальной точкой которой стал в 1802 г. Санкт-Петербург, где Шпор, в частности, был восхищён игрой Муцио Клементи и Джона Филда (от этой поездки остался подробный, красочный и наивный дневник 18-летнего музыканта, в дальнейшем обширными фрагментами включённый им в свои поздние воспоминания)[2][3].
Затем Шпор начал гастролировать самостоятельно, везде имея большой успех. Первое своё концертное турне в качестве солиста Шпор предпринял в 1804. В 1812 музыкант отправился в Вену, где получил место капельмейстера местной оперы, а затем побывал в Италии, где составил конкуренцию самому Никколо Паганини. С 1817 года Шпор работал музыкальным руководителем Франкфуртского городского театра, в 1820 вместе со своей женой, арфисткой Дореттой Шпор (1778—1834) выступил в Лондоне. Два года спустя музыкант получает место придворного капельмейстера в Касселе, где и работает до самой смерти.
Наследие Шпора-композитора включает в себя большое количество произведений в различных жанрах: ему принадлежат девять опер, оратории, симфонии, мессы, кантаты, камерные сочинения. Наибольшей популярностью пользуются 15 его концертов для скрипки с оркестром, а также четыре концерта для кларнета, посвящённые Иоганну Симону Хермштедту. Шпор считался также одним из лучших скрипачей своего времени, его исполнение отличалось большой технической виртуозностью и глубокой выразительностью.
Ян Сибе́лиус (швед. Jean Sibelius, швед. Johan Julius Christian Sibelius[1]; 8 декабря 1865, Хямеэнлинна, Великое княжество Финляндское, Российская Империя — 20 сентября 1957, Ярвенпяя, Финляндия) — финский композитор шведского происхождения.
Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 года в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе.
В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.
Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, братКристиан — на виолончели, Ян — вначале на рояле, но после предпочёл скрипку.
Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу.
Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера.
Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.
В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института.
В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции итеории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене.
По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма «Куллерво» (Kullervo), ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра — по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-лейтенант и губернатор, принимавший участие в национальном движении — Август Александер Ярнефельт.
За Куллерво последовали симфоническая поэма «Сказка» (En Saga), ор. 9 (1892); сюита «Карелия» (Karelia), ор. 10 и 11 (1893); «Весенняя песня», ор. 16 (1894) и сюита «Лемминкяйнен» (Lemminkissarja), ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.
Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критикКарл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений — последней была Седьмая симфония (одночастная Fantasia sinfonica), ор. 105, впервые исполненная в 1924 году вСтокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как «Дочь Похьёлы» (фин. Pohjolan tytär), «Ночная скачка и восход солнца» (швед. Nattlig ritt och soluppgang), «Туонельский лебедь» (Tuonelan joutsen) и «Тапиола» (Tapiola).
Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) — свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма «Финляндия» (Finlandia) (1899) и «Грустный вальс» (Valse triste) из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта «Смерть» (Kuolema); пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.
Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой «Тапиола», ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений — особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 годубыла даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 году композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, — возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.
Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903—1921 он пять раз приезжал в Англиюдирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикутепрошла премьера симфонической поэмы Океаниды (Aallottaret). Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в СШАбыли О. Даунс, музыкальный критик «Нью-Йорк Таймс», и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим «любимым симфонистом».
С 1940-х интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.
Ещё при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса». В 1939 «альма матер» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса.
Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957.
Он многие годы был масоном, и по праву являлся одним из выдающихся деятелей финского масонства. Сибелиус был одним из основателей ложи «Суоми» № 1 вХельсинки. В дальнейшем он был главным органистом Великой ложи Финляндии. В 1927 году Сибелиус написал девять вокальных и инструментальных композиций, собранных им под общим названием «Масонская музыка для обрядов». Первое издание партитуры, предназначавшееся для распространения среди масонов увидело свет в 1936 году. Второе издание вышло в 1950 году, исправленное и дополненное автором за счёт новых композиций, в том числе известной симфонической поэмой «Финляндия», сопровождаемой при масонском исполнении особым текстом[2].
Григорий (Григораш) Динику (рум. Grigoraş Dinicu; 3 апреля 1889 — 28 марта 1949) — румынский цыганский композитор искрипач-виртуоз. В 1930-х он был вовлечен в политическое движение румынских цыган и был сделан почетным президентом Единого Союза румынских Цыган.
Яша Хейфец однажды сказал, что Динику был самым великим скрипачом, которого он когда-либо слышал.
Григораш Динику родился в Бухаресте в семье потомственных цыганских музыкантов. Поступил в Бухарестскую Консерваторию, где учился у игре на скрипке у Д. Кириака. Самым известным из его учителей был Карл Флеш, педагог, у которого он учился с1902 года. После окончания консерватории он играл с Оркестром Министерства Общественной Инструкции, также часто выступал как солист. В течение сорока лет, с 1906 до 1946 года руководил концертами популярной музыки. Он также совершал поездки за границу (Англия (1928), Франция (1929, 1937), США (1939)), как солист и дирижёр своего оркестра народных инструментов (тарафа), созданного им в 1906 году. Также Динику играл много лёгкой популярной музыки в ночных клубах, гостиницах, ресторанах, и кафе в Бухаресте и всюду по Западной Европе. В то же время выступал и с академическим репертуаром — как солист и как концертмейстер оркестра консерватории Pro-Arte во главе с Джордже Коча.
Динику принадлежат музыкальные произведения, получившие широкую известность. Его музыка написана главным образом для скрипки и фортепьяно, хотя знаменитая Хора стаккато позднее была переложена и для других инструментов (для скрипки с оркестром, для трубы и фортепьяно, оркестровое переложение Панчо Владигерова и др.). Другие произведения Динику: Hora spiccato (сильная хора), Hora de concert (концертная хора), Hora mărţişorului (мэрцишор, дословный перевод с румынского
«немного марта»), Hora de la Chiţorani, Hora Expoziţiei de la Pari, Импровизация а-ля Динику, Orientale a-la tzigane и Sârba lui Tanţi (сырба — румынский народный танец).
Умер Григораш Динику в Бухаресте.