Здавалка
Главная | Обратная связь

Символизм в России.



Характернейшие черты символизма в России ― заметно отличают его от общеевропейского направления символизма. Русский символизм имеет свой особый самобытный характеро, являясь уникальной вехой в истории мировой культуры. Возникновение символизма в России в конце XIX века в первую очередь связано с деятельностью т.н. старших символистов — поэтов и публицистов Д. Мережковского и З. Гиппиус; отчасти — Валерия Брюсов. Символизм Мережковского и Гиппиус — это прежде всего символизм христианский, религиозно-мистический, постижение символа, как акт богопознания. Ярчайшими предшественниками русского символизма можно по праву назвать Ф. М. Достоевского и философа С. М. Соловьева. Последний был еще и поэтом, и своим поэтическим осмыслением доктрины о Софии — Премудрости Божией обусловил особенности развития основного направления русского литературного символизма от Гиппиус до Блока.

Если русский литературный символизм, за редкими исключениями являет собой идейное единство, то символизм в русской живописи явление не менее пестрое и противоречивое, чем европейский, а иногда даже переживает острые идеологический конфликт со своей литературной основой. На напряженные духовные поиски поэтов она отвечает чистым отображением духовности: «Над вечным покоем» И. Левитана, «Видение отроку Варфоломею», «Труды преподобного Сергия», «Пустынник» М. Нестерова. На высокий пафос — иронией и гротеском: «Купание красного коня» Петрова-Водкина, «Весна» М. Шагала, и пр.

Основоположником символизма в русской живописи является М. Врубель. Чтобы познакомиться с оригиналами работ этого великого мастера даже не обязательно посещать картинные галереи. Достаточно просто прогуляться по центру Москвы. Например, фронтон гостиницы «Метрополь» украшает его знаменитая «Принцесса Греза». Напряженная, яркая, какая-то почти мозаичная живопись Врубеля монументальна, эпична, исполнена острым трагическим противоречием между реальностью и фантазией художника. В фантастический сказочный мир, или в седую древность, эпоху былинных героев, которая и сама уже давно стала сказкой, погружают вас его картины. Символизм его «Жемчужины» — целая вселенная, которая мерцает таинственными перламутровыми пастельными тонами, отражаясь в маленьком зернышке жемчуга. Пронзительный взгляд врубелевского «Демона» гипнотизирует, оставляет чувство некого внутреннего дискомфорта, почти страха, но вместе с тем от него невозможно оторвать глаз. Это одна из многих загадок художника, стремившегося постичь мир не только эстетически, но и нравственно-философски.

Дальнейшее развитие искусство символизма в русской живописи получило в творчестве художников группировки «Голубая роза». Наиболее ярким представителем «голуборозовцев» был В. Э. Борисов-Мусатов. На рубеже столетий путем последовательной и энергичной эволюции он пришел от импрессионистического этюда к картине-панно нового стиля, найдя в этом стиле органическое средство для выражения символического образа. Его знаменитый «Гобелен» обманывает обыденностью, простотой своего сюжета. Но в самой манере изображения двух беседующих женщин скрыто что-то неизмеримо более глубокое. Зритель сразу замечает какую-то особую напряженность всей композиции. Возникает впечатление, что «Гобелен» вот-вот сорвется со стены и за ним откроются таинственные знаки другого, высшего бытия.

Позднее, русские художники-символисты объединились вокруг журнала «Мир искусства» (А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, М. Добужинский и др.) М. Добужинский — величайший русский график пред — и послереволюционных лет. Излюбленный мотив его творчества — архитектуные виды Петербурга. Его гравюры, подобно романам Достоевского, открывают Петербург одновременно как живой организм и как запредельную метафизическую сущность. Как и Борисов-Мусатов, Добужинский пытался выявить символические знаки в самой форме обыденных привычных вещей. Одна из самых пронзительных его гравюр «Детские забавы», посвящена революции 1905 года. Здесь, минимальным количеством изобразительных средств достигнут максимум напряжения: по грубой каменной стене одного из петербургских домов расплывается, стекая на мостовую, кровавое пятно. В луже крови — кем-то брошенная в спешке детская кукла. И все. Этого скупого сообщения оказывается вполне достаточно, чтобы передать всю глубину трагедии тех грозных лет. Исторический перелом в судьбе страны в духе символизма предугадывался, а затем образно осмыслялся и в живописи К. С. Петрова-Водкина. В первые послереволюционные годы некоторые приёмы символизма оказались для ряда художников средством выражения романтического ощущения наступления новой эры: Б. М. Кустодиев: «Большевик», К. Ф. Юон: «Новая планета» и др.

Прерафаэлиты (от лат. prae – пред и Рафаэль) — английские художники, чьё творчество, во многом, вдохновлялось идеями и искусством эпохи раннего Возрождения (иначе говоря, искусством до времён Рафаэля).

Английские художники прерафаэлиты в первую очередь известны своим объединением, получившим имя, Братство прерафаэлитов. История «Братства» берёт свое начало в 1848 г., когда Уильям Холмен Хант (1827—1910), Данте Габриэл Россетти (1828—1882) и Джон Эверетт Миллес (1829—1896) — будучи ещё студентами школы Королевской академии сошлись в своем мнении о том, что консервативная система академического образования того времени была крайне узка в своем видении искусства и совершенно не способствовала действительно качественному раскрытию таланта молодых художников.

В своем творчестве молодые люди (в недалеком будущем ставшие первыми художниками прерафаэлитами) стремились уйти от консерватизма принятой модели живописи, вынуждавшей художника изображать людей и природу отвлеченно красивыми, что очень часто не согласовалось с действительностью, полной несоответствий высоким идеалам античного искусства и такой же несовершенной, как и сама жизнь. Собственно, именно отказ от такого нереалистичного видения Мира и стал краеугольным камнем всей последующей работы Братства.

В том же 1848 году, осенью три первых художника прерафаэлита и создали вышеупомянутое объединение, лаконично нареченное позже — Братство прерафаэлитов. Следует отметить тот факт, что рождение определения «прерафаэлиты» принадлежит самим же художникам прерафаэлитам, желавшим подчеркнуть, тем самым, свое идейное противостояние искусству Высокого Возрождения и, разумеется, самому Рафаэлю Санти, наиболее известному художнику той эпохи.

Живопись прерафаэлитов была близка по духу и стилю, в первую очередь, работам итальянских художников Проторенессанса и XV столетия. Картины прерафаэлитов отчетливо передают атмосферу глубокого и возвышенного религиозного чувства при практически полном отсутствии стремления к неестественной красоте и грации, свойственной работам мастеров эпохи Возрождения.

Следует отметить, что творчество прерафаэлитов не в последнюю очередь вдохновлялось произведениями английской средневековой поэзии и литературы, что, во многом, обусловило атмосферу закрытости и отчужденности от общесоциальных тенденций и течений, выразившуюся также и в самом имени «Братство».

Одним из значительных направлений творчества прерафаэлитов стало противопоставление вещам промышленного производства ремесленный труд, результатом которого становились самые различные изделия, вдохновленные таинственной атмосферой все того же далекого средневековья. Таким образом, прерафаэлиты не ограничивали себя лишь живописью (хотя, следует отметить — именно картины прерафаэлитов принесли им известность).

Также следует сказать о том, что творчество прерафаэлитов включает в себя ряд литературных работ (статьи, рассказы, поэмы), опубликованных в журнале «Росток», собственно принадлежавшем Братству. Произведения, содержащиеся в журнале были также снабжены иллюстрациями прерафаэлитов. Во многом, именно благодаря данному журналу уже к концу 1850 года о живописи прерафаэлитов было известно уже не только в самой академии, но и за ее пределами.

Нельзя сказать, что живопись прерафаэлитов пользовалась огромной популярностью в Англии XIX в. и, тем не менее, существовало немало людей, выражавших неподдельный к ней интерес. Отдельно следует отметить тот факт, что в значительной мере были востребованы иллюстрации прерафаэлитов. что было обусловлено самим стилем живописи прерафаэлитов, тяготеющим к реализму.

Так, одним из наиболее известных изданий, снабженных иллюстрациями прерафаэлитов, справедливо признается книга — Сочинения Джеффри Чосера (издательство «Келмскотт-пресс», Лондон, 1890 г.). Действительно, живопись прерафаэлитов, как нельзя лучше, соответствовала духу работ Чосера. Так, поля каждой страницы имели изображения вьющихся растений, а сам текст содержал миниатюры картин прерафаэлитов, общей для издания тематики природы. Также в схожем стиле выполнено издание «Баллады и эпические поэмы» Данте Габриэля Россетти. Выпущенное в Лондоне в 1893 г.

Следует сказать, что художники прерафаэлиты и по сей день известны, главным образом, в Англии, в то время как за ее пределами сама история прерафаэлитов и их взгляды на искусство известны в гораздо меньше степени, нежели жизнь и творчество мастеров эпохи Возрождения, чьё видение искусства так страстно и искренне отрицали живописцы Братства.

Не будет преувеличением утверждать, что художники прерафаэлиты для самой Англии олицетворяют стремление к идеалам христианства без отказа от реализма, что было свойственно очень многим работам их предшественников.

Пожалуй, если охарактеризовать всё творчество художников Братства, в целом, можно сказать так: Прерафаэлиты с их уникальным взглядом на искусство стали предвестниками новой эры реализма в живописи, принесшей частичный отказ от консервативных догм Высокого Возрождения в пользу индивидуального взгляда на Мир.


Билет10. Стиль Импрессионизм

Стиль импрессионизм

Импрессионизм в переводе на русский обозначает впечатление. Отображение действительности через впечатления художника. Это не экспрессионизм, где в большой степени отражаются чувства и мысли. В импрессионизме основным является, все-таки, действительность, прошедшая через призму восприятия ее автором.

В картинах импрессионистов видно стремление запечатлеть текущий момент, не упустить мимолетное. Искусство импрессионистов можно сравнить, по идеологии, с фотографией, которая также запечатлевает короткий отрезок времени – текущий момент. Недаром первая выставка импрессионистов состоялась в мастерской парижского фотографа Недара.

Если присмотреться к картинам импрессионистам, то обращает внимание один интересный момент – техника многих картин такова, что Вы не может оценить картину, рассматривая ее вблизи. Чтобы увидеть то, что на ней изображено, нужно отойти на некоторое расстояние и тогда Вам откроется момент жизни, запечатленный художником. Такой эффект достигается особой техникой живописи – «вибрирующий мазок». Картины как бы собраны из отдельных мазков и только расстояние позволяет увидеть все. Как и в жизни, Вы не всегда можете оценить значимость момента, и его смысл становится понятен, только после того, как пройдет какое-то время. Еще Делакруа пытался запечатлеть движение с помощью мазка, а импрессионисты развили и довели до совершенства эту технику. Этот стиль придает картинам динамизм и некоторую незаконченность. Но эта незаконченность не техническая, а именно отражение момента, выхваченного из ткани мира. На картине все в движении и кажется, что через мгновение все изменится. Еще одна особенность стиля импрессионизм – это композиция. Заимствованная у японских мастеров живописи ассиметричность или наклон также придают произведениям импрессионистов видимость движения.

Стиль импрессионизм в нашем сознании ассоциируется, в первую очередь, с Францией. И не случайно, что наиболее известные мастера были Французами – Мане, Дега, Ренуар, Писсаро. Все это великие имена, произведения которых являются всемирным достоянием.

История стиля импрессионизм

 

Клод Мане - Завтрак на траве

Впервые об импрессионизме, как о стиле, заговорили после, прошедшем в Париже в 1863 году «Салоне отверженных». На этой выставке были представлены работы художников, отвергнутых жюри «Парижского салона». Среди множества картин, внимание публики привлекла работа Мане «Завтрак на траве». Картина спровоцировала скандал и принесла художник известность и популярность. Именно в этой картине впервые проявился «фотографический» стиль, ставший впоследствии одной из особенностей импрессионистов, а также знаменитый «мазок».

15 мая 1874 в мастерской фотографа Недара прошла выставка уже 30 художников импрессионистов. Было выставлено более сотни картин. На этой выставке была представлена картина Клода Мане под названием «Впечатление. Восходящее солнце».

 

Клод Мане – Впечатление. Восходящее солнце

Популярный парижский журналист Лую Леруа забрел на эту выставку группы художников, которая носила длинное название «Анонимное товарищество артистов, живописцев, художников, скульпторов, графиков и проч.» и решил высмеять новое искусство в своем фельетоне, который вышел под названием “Выставка импрессионистов”. Для нас это название ничего не говорит, но на французском языке это звучало забавно «Выставка впечатлителей», если перевести дословно. Именно картина Мане дала Леруа название всего направления. Результат был, скорее всего, неожиданным для журналиста. Его статья подарила название новому направлению, которое закрепилось за стилем.

- Впечатление? Чертовски забавное впечатление! О… а это?

Можно было сказать, что новое направление в искусстве было сформировано. Именно с этой выставки началось победное шествие импрессионизма по миру.

Попытка остановить момент является и сильной стороной стиля, но и его слабостью. Импрессионисты в своих произведениях не пытаются осмыслить суть вещей, отразить их во всем многообразии, а лишь фиксируют текущее состояние, которое может быть ярким, запоминающимся, но проходящим. Иногда создается впечатление – то, что отражено на картине через мгновение изменится и приобретет совсем другое значение. Это и стало одной из причин кризиса импрессионизма и отходом многих художников от этого стиля. Поль Гоген, Ван Гог стали родоначальниками стиля, который условно называют постимпрессионизмом. Они в своих картинах попытались уйти от фиксации текущего момента и перейти к более полному и объемному отображению мира. Если мы посмотрим на их картины, то это уже не минута, а если говорить образно – год, десятилетия. Таковы картины Ван Гога из его Таитянского цикла.


Билет11. Фридрих Ницше и культура рубежа 19-20 вв.

Ницше не производил впечатление титанической фигуры. Ницше - фигура, которая окружена бесчисленным количеством легенд. Ключевой миф: философия Ницше легла в основу национал - социализма. Проблема в том, что некоторые фразы вырваны из контекста. Сверхчеловек - глобальный результат всей философии Ницше. Идея сверхчеловека могла возникнуть только в сознании свободном. Призвав становиться сверхлюдьми, не приложил инструкцию, отсюда стали возникать варианты: 1) артистический (прикинуться сверхчеловеком), 2) национал - социалистический (расовая принадлежность: голубые глаза, определённый рост) - штамповать как пончики сверхчеловека. "Стать Богом" - вот к чему призывает Ницше. Он призывал к метаморфозе, которая покончит с человечеством. "Зараустра" - рельефное учение о сверхчеловеке. Восприятие мира как лабиринта, он не хочет прямых путей, так как прямые пути проложены теми, с кем он борется. Лабиринт - спасение для человека, так как человек может найти свой путь, чтобы стать кем - то. Главный путь - внутренний. Скорость, с которой он преодолевает гигантские расстояния, это единственно возможное для него существование (движение его мысли). Оправдание человеческого тела - одна из главных тем у Ницше. Ницше: "Тело более поразительно, чем старая душа". Тело - совокупность энергии пульсации. Является частью мироздания,отсюда следует много телесных концепций.
Призыв "Учитесь танцевать" (танец мысли, развить пластичность своего тела). Ницше не разделяет движение мысли и движение тела.
Время связано с концепцией вечного возвращения. Движение по кругу. Ницше: "Прогресса не существует, это миф". Одно возрастает, другое понижается. Ницше: "Прогресс - дурной сон цивилизации". По его мнению, прогресс может быть у человека, отсюда следует сверхчеловек.
Нигилизм витал в воздухе в Европе. Ницшеский нигилизм - фундаментальное разрушение и отрицание основ цивилизации. Мораль с младых ногтей навязывается человеку. Ницше: "Мораль - величайшее извращение". Мораль уничтожает человека, превращая его в серое, невзрачное существо. Высшее состояние человеческой натуры - ребёнок (естественная мораль, она работает для избранных, сверхлюдей). На этом пути он вступает в конфликт с христианством. Нигилизм Ницше - последовательное разрушение краеугольных камней цивилизации, государства. Он разрушает все опоры, конвенции, дабы приготовить человека к другому пути. Концепция сверхчеловека очень аристократична. Люди, избравшие этот путь становятся теми сами аристократами, новыми людьми.


Билет 12. Модерн-общие принципы.

«Модерн» (от французского moderne, новейший, современный) в литературе справочного характера определяется как «стилевое направление в европейском и американском искусстве конца 19 – начале 20 веков.».1

Как отмечает В. Серебровский, - появление этого стиля объясняют разными причинами: и «волевым усилием» нескольких художников, и объективными причинами – усталостью уходящего 19 века, и общим декадансом европейской культуры («Закат Европы»), и связанной с этим утратой «большого стиля». Однако сами представители этого направления и примыкавшие к ним критики называли свой стиль арнуво во Франции, югенд штиль – в Германии, т.е. – молодым искусством.2

В России слово «новый» было, со свойственным русским уважением к Западу, переведено на иностранное – модерн – и так и осталось в истории русского искусства.

Характерным для представителей этого стиля являлось их уверенность, что они устремлены в будущее и как бы порывают с традицией 19 века и, прежде всего, с бытовым реализмом, салонным классицизмом. Они тосковали по «стилю», и они создали его. Эти художники мечтали покинуть башню из слоновой кости «чистого» искусства, разрушить стену, разделяющую искусство «высокое» и прикладное, окружающее повседневный быт человека, и сделать последнее красивым и стильным. Они хотели выйти на улицы, построить новые дома, расписать стены невиданными доселе фресками, украсить мозаикой. И это им удалось.

Хотя по продолжительности модерн просуществовал недолго (всего 20-30 лет), влияние его в то время на все виды художественной деятельности огромно. Следы модерна можно найти во всем: в архитектуре, в живописи, в монументальном искусстве, в книжной графике, плакате, рекламе, дизайне, одежде. От огромного общественного здания до дверной ручки, от монументальной мозаики до изящной вазы на столе, от живописного полотна до ложки и вилки – все это носило на себе отпечаток этого стиля, если за дело брались художники, архитекторы, дизайнеры модерна. Им было дело до всего. Для них не существовало ничего низкого, что не смогли бы они с помощью своей неуемной фантазии превратить в произведение искусства. Все к чему прикасалась рука художника, должно было стать прекрасным, каким являются природные формы, перед которыми эти художники преклонялись.

Конец 19 века характерен значительно возросшим интересом Запада к Востоку в отношении культурных ценностей последнего. Многие восточные вещи становятся предметами коллекционирования, изучения и даже подражания. Появляются первые научные переводы восточных философских и религиозных трактатов, возникают химерические восточно-западные религии. Европейские философы начинают употреблять такие понятия как «нирвана», «карма» и т.д. В общем, увлечение Востоком носило поверхностный характер. Европейцы не до конца понимали своеобразие восточной культуры, ее музыку, театр. Но были люди, которые настолько влюбились в искусство Востока, что их восхищение перешло в практику, в дело их жизни. Японские гравюры, которые впервые появились в Париже в виде упаковочной бумаги для различных японских безделушек, произвели настоящий переворот в сознании некоторых молодых художников. Они поняли и приняли сам принцип восточной живописи и графики. Во многом это определило возникновение такого неожиданного стиля как модерн, который, по образному определению В. Серебровского, - вышел из кокона европейских традиций в виде экзотической европейской бабочки. Эта бабочка облетела все страны Европы и, перелетев океан, добралась даже до Америки.1

Каждая национальная школа придавала лицу модерна разное выражение, поскольку нет европейской страны, где не было бы своего собственного стиля модерн. И в то же время есть нечто общее, что объединяет все эти «модерны» и делает их почти неразличимыми, что позволяет говорить об общеевропейском художественном направлении.

Этим «общим» является ряд черт, которые и сделали его столь привлекательным. Условно это черты следующие: эклектизм, романтизм, чувственность, декоративность. Первые три признака унаследованы в основном от Европы, последний – из Азии.







©2015 arhivinfo.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.